Mejores discos 2011 (Parte 1: puestos 20-11 + extra)

Una vez más traemos lo mejor del año... aquí tenéis los puestos del 20 al 11 con un pequeño extra. ¡Felices fiestas!
La segunda parte, después de Nochevieja, acompañada de dos programas de radio mostrando los mejores temas de cada disco.

Extra

Artista: Megadeth

Álbum: Thirteen

Género: Heavy Metal

Highlights: Never Dead, Black Swan

Después del que para un servidor fue un disco clave en la carrera de la banda y sin duda uno de los mejores de esta (Endgame), no sabía cómo iban a sacar un disco que estuviera a la altura los maestros del thrash. Evidentemente, ninguno de estas dos premisas se han mantenido: ni el disco ha estado al excepcional nivel de "Endgame", ni la banda ha sacado un disco de thrash. En lugar de esto tenemos un correcto disco de heavy metal con algunos puntos thrashers (tan sólo "Never Dead" y "Sudden Death" si apuramos), pero esto no hace que el disco sea precisamente malo. 

Nos encontramos ante un trabajo con un tipo de canciones ala "Countdown to Extinction", pero de ligera menor calidad. Demasiadas canciones, si hubiese dependido de mí el disco habría tenido 13 en vez de 10 temas, varias de ellas ni tan si quiera son originales (las geniales "Black Swan" o "New World Order"), sino temas descartados de discos anteriores que ya habíamos podido escuchar pero ahora se muestran con ligeros cambios. Canciones como "Guns, Drugs & Money", "Deadly Nightshade" o "Fast Lane" te dejan con un sabor áspero de boca como un: ......y?. Suenan realmente poco inspiradas, la verdad. Para compensarlo ahí tenemos los puntos fuertes del disco en la balada "13", la remodelada "Millennium of the Blind" y las ultra pegadizas "Whose Life" y "Public Enemy nº1", que hacen que el disco deje una sensación final y predominante de buen sonido y buenos temas con ligeras amarguras.

#20

Artista: Lance López

Álbum: Handmade Music

Género: Blues Rock

Highlights: Hard Time, Black Cat Moan

Excelente ladrillo en el muro de este brillante guitarrista de blues rock hacia la fama, con un sonido más que asentado, un virtuosismo más que demostrado y unos temas más que buenos. Personalmente probablemente prefiera su antecesor, "Salvation From Sundown", pero desde luego que esta nueva entrega no se queda corta en ningún sentido. Tenemos riffs sureños salvajes, ritmos más abluesados y sobretodo muchos, muchos solos, que es lo que interesa. Toda esta química está presente en el disco, pero lo único que se echa en falta es ese típico temazo de esos por los que pasan los discos al recuerdo. "Simplify Your Vision" nos dio la magnífica "Stones in my Passway", "Higher Ground" nos dio "El Paso Sugar" y "Salvation From Sundown" nos mostró "Romeo" por mencionar unas cuantas de los 6 discos que el tejano ha publicado. Sin embargo esto no es un impedimento a que el disco sea una maravilla, tan sólo hace más difícil que tenga una bandera con la que ser identificado. Si tuviera que elegir sería "Hard Time" o "Black Cat Moan".

#19

Artista: Isole

Álbum: Born From Shadows

Género: Doom Metal

Highlights: When All is Black, Born From Shadows

El quinto disco de los doom metaleros suecos Isole de momento parece destinado a seguir la senda de sus predecesores: fantásticos álbumes, de lo mejor del género actualmente, pero que no alcanzará una gran fama.
Puede que sea que el doom es un estilo bastante underground, puede que sea que la gente hoy en día no se interese por este tipo de música. Pero sin duda alguna este disco es una auténtica maravilla. Voces limpias apocalípticas sobre densas bases de tristeza... para después arrancar con algunos growls y tempos más subiditos. Eso sí, más tarde volviendo a las lentas atmósferas de este nacimiento entre las sombras.
 Temas por lo general largos, con alguna excepción, pero todos de inmensa calidad. Ya va siendo hora de que esta banda se abra paso entre los grandes del género.

#18

Artista: The Eyes

Álbum: Hold Your Axes, Rip Their Guns

Género: Melodic Death Metal

Highlights: Marea Negra, Wake Up Steel

Increíble el tercer trabajo de estudio de los catalanes The Eyes, que dan un golpe más de aire fresco al death metal melódico nacional. No sólo se perfilan como la que probablemente sea la mejor banda de este género en toda España, sino como unos serios candidatos a formar parte de la élite europea. Discos como este no se ven todos los días: la increíble voz de Jordi apoyado por las voces limpias de Wero son un combo implacable, y si a esto le añadimos arrolladores riffs y una base de batería más que aplastante tendremos probablemente uno de los mejores discos nacionales del año. Todo esto se suma a la devastadora experiencia en directo de la banda y la descomunal energía que desprenden en directo. Temas como "Jail Invaders", "Redemption" o la magnífica (y único tema en castellano del disco) "Marea Negra" junto a Juan de Soziedad Alkoholika en los coros (cuyo último disco "Cadenas de Odio" también es espectacular) hacen que este disco pase a la historia como uno de los mejores en su estilo que nuestro país ha facturado.

#17

Artista: Mr. Big

Álbum: What If...

Género: Hard Rock

Highlights: American Beauty, Stranger in my Life

Cuando juntas en una banda a tres virtuosos de la talla de Paul Gilbert, Billy Sheehan y Pat Torpey, lo menos que te puedes esperar es un discazo como éste. Y si a esto le añades al increíble vocalista Eric Martin, la jugada se convierte en redonda. El esperado retorno al estudio de una banda que llevaba 7 años separada ha sido sin duda de lo mejor del año, porque incluso diría que este disco puede estar, quizá no entre los mejores (recordemos aquellos legendarios "Bump Ahead" o "Lean Into it"), pero justo detrás de aquellos discos que marcaron a toda una generación. Y es que al que no le alegre el día y le suba el ánimo esa trepidante "American Beauty"  o el agitado groove de "Around the World" es que no tiene alma. El factor optimista del disco es algo que le da un toque especial, pero sin olvidar las características baladas melosas que también han hecho famoso al grupo y donde vemos especialmente brillante a Eric Martin, por ejemplo "All the Way Up" o "Stranger in my Life". Un disco bastante redondo.

#16

Artista: Mastodon

Álbum: The Hunter

Género: Progressive Sludge Metal

Highlights: Black Tongue, Dry Bone Valley

Cada nuevo disco de Mastodon acerca la banda a un sonido más abierto y de más fácil acceso. Pero pese a que esto puede sonar como algo malo, no lo es. Desde aquel intrincado y pesado "Remission" que marcaba el inicio de la discografía de la banda hace ya 9 años, y la música ha evolucionado hacia un aspecto más influenciado por el rock progresivo y el stoner. Así quedaba patente en su penúltimo disco, "Crack the Skye", una auténtica obra maestra del rock progresivo de esta década, casi totalmente en voces limpias y de influencias más variadas. Este nuevo "The Hunter" es como una mezcla entre los dos anteriores, un "Blood Mountain" muy sludge y groove  mezclado con este "Crack the Skye". El resultado es asombroso, tal y como lo describen ellos mismos: es una especie de Led Zeppelin súper-pesado. Y no les falta razón. Así pues, tenemos temas más proggies como "Bedazzled Fingernails" o "Octopus Has No Friends" y temas mucho más heavies y sludge/stoner como las destacadas "Dry Bone Valley" o "Black Tongue". A destacar, como siempre, las increíbles líneas de batería del genio Brann Dailor, los pesados riffs y la variedad de voces entre Troy, Brent y Brann.

#15

Artista: Septicflesh

Álbum: The Great Mass

Género: Death Metal

Highlights: A Great Mass of Death, Mad Architect

Parece que últimamente la escena del metal extremo griego está que se sale. No contentos con la obra maestra que supuso en "AEALO" de Rotting Christ el año pasado, unos regenerados Septic Flesh (o como dicen que se llaman ahora, sin el espacio, Septicflesh) se han marcado el que probablemente sea el mejor disco de todo su repertorio. Grabar un disco de death metal con una orquesta de 80 músicos y 32 cantantes es un paso arriesgado que no todo el mundo se atreva a dar. Ellos sí, y además, lo hacen bien. La orquesta añade un factor extra a un disco que suena totalmente apocalíptico, un disco que es ponerlo y creer que durante sus casi 45 minutos de duración, el mundo llega a su fin y que estás siendo arrastrado a las entrañas del inframundo. Si tuviese que describir este disco con una palabra sería, sin duda, brutalidad. Realmente una de las propuestas más creativas del año.

#14

Artista: Black Country Communion

Álbum: II

Género: Hard Rock

Highlights: Man in the Middle, An Ordinary Son

Impresionante segundo asalto del que ya se ha convertido en uno de mis súper-grupos favoritos. Manteniendo el excelentísimo nivel de su predecesor, el álbum no presenta grandes novedades respecto a la primera entrega, pero esto no es necesariamente algo malo. Quizá la incorporación más notable y la que probablemente haga que me decante más por este disco que por el primero es una presencia mucho mayor del teclado del excepcional Derek Sherinian, porque esos pasajes de Hammond son puro oro.
Rock del bueno, riffs machacones, solos que quitan el hipo y unas líneas vocales por parte de Glenn Hughes que hacen que si no ves su físico pienses que todavía estás en los 70. Como estrellas tenemos la veloz "The Outsider" que nos abre el disco, el colmo del groove como es "Man in the Middle", emocionantes baladas como "Cold", toques que recuerdan más a Bonamassa en solitario "The Battle for Hadrian's Wall" e incluso recreaciones de temas épicos en "An Ordinary Son" de la ya legendaria "Song of Yesterday" de su primer disco.

#13

Artista: Puscifer

Álbum: Conditions of my Parole

Género: Industrial Alternative Rock

Highlights: Green Valley, Conditions of my Parole

Cuando todo el mundo espera un nuevo álbum de Tool y cuando todo el mundo espera un álbum de A Perfect Circle, Maynard os dije que os jodan a todos y saca un disco en solitario. Él es así, no intentéis cambiarlo. Y es que nunca sabes hacia dónde va a ir Keenan en ningún momento, y este álbum es una clara prueba. Una interesantístima mezcla entre el Folk Rock, el Industrial, el Alternative Rock, el Trip Hop y todos los géneros que le puedan pasar por la cabeza a este señor. No es de extrañar que semejante genio haya podido componer un disco tan... especial. Porque esa es la única palabra que define al cantante de Ohio. Un disco perfecto para escuchar una tarde lluviosa, para dejarte arrastrar por las bellas líneas vocales que surcan unas bases encantadas con maravillas como "Green Valley" o "Tiny Monsters". Musicalmente este disco es lo más parecido a meterte en una cámara criogénica. Si las cosas se agitan ahí tienes "Toma", o "Conditions of my Parole", pero siempre con esa sensación de estar en otro lugar. Impresionante.

#12

Artista: Opeth

Álbum: Heritage

Género: Progressive Metal

Highlights: Nepenthe, Folklore

Volvemos a movimientos arriesgados, en este caso el paso del death metal progresivo a un rock progresivo mucho más añejo y clásico. Una especie de tributo a todos esos grupos del prog setentero que Akerfeldt escuchaba cuando era un chaval. Un disco con el que han perdido y ganado la misma cantidad de fans: menos extremo, más viejuno. Influencias de bandas como Camel están obviamente presentes, y si algo se le puede refutar al disco es una pequeña falta de personalidad. Pese a algunos momentos característicos donde podrías reconocer a la banda, este disco prácticamente lo podría haber sacado otra banda en la mencionada década de los 70 y costaría darse cuenta. Pese a esto, las canciones son por lo general bastante buenas, pero quizá carecen de algún momento distintivo por el que recordar este disco. Otro fallo son los pobres enlaces entre las secciones de los temas: el hecho de que sea progresivo no justifica la pobre conexión entre algunas partes de las canciones. Ideas totalmente dispares, pegadas como el que no quiere la cosa hacen que algunos temas suenen realmente incongruentes. Habiendo acabado con la crítica, vamos con los aspectos positivios. La voz limpia de Mikael en este disco suena genial, y la creatividad de algunos cortes como la fascinante "Nepenthe" (que al principio odiarás y luego amarás) es extraordinaria. la mutabilidad del estilo detrás de los parches de Axenrot es realmente envidiable, y momentos como ese épico final de "Folklore" hacen que el disco sea de lo mejor del año. Si bien el disco es realmente bueno, tiene varios fallos importantes anteriormente mencionados. La fórmula es estupenda, y si la banda sigue por este camino en el futuro deberán perfeccionar estos aspectos para conseguir un nivel compositivo tan alto como el de épocas anteriores.

#11

Artista: Joe Bonamassa

Álbum: Dust Bowl

Género: Blues Rock

Highlights: The Last Matador of Bayonne, Slow Train

Un señor que va por faena. Un guitarrista que ha sacado 4 discos en 2 años (dos en solitario y dos con Black Country Communion) y que ha girado con los cuatro. Si bien hace un año le pedíamos al señor Bonamassa que se dejase de versiones y publicase álbumes de material propio íntegro propio, parece que no lo ha acabado de entender bien (sólo algo). Al menos hay un paso de un disco donde 8 de las 13 canciones eran versiones a un disco con mitad y mitad. A ver si va decreciendo la cifra, porque precisamente los mejores temas de sus discos siempre son los temas propios, y si sacase grabaciones de larga duración sólo con temas suyos Dio sabe lo que podría salir. Probablemente este disco sea el mejor, y el que confirma su estándar de mejor guitarrista joven, al menos en el panorama del blues. El heredero de los grandes, el que llevará la corona ya comienza a tomarla. Así lo demuestra con una excelentísima "The Last Matador of Bayonne", la atmosférica "Dust Bowl", la animada "The Whale That Swallowed Jonah" o el ritmo zapatón del opener "Slow Train". En el lado de las versiones, destacar la maravillosa "No Love on the Street" de Tim Curry, interpretada magistralmente y una, a mi parecer, mejorada "Prisoner" de Karen Lawrence. La estrella de Joe sigue brillando y no parece detenerse.

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Kairos: el renacer de Sepultura

15 años han tardado Sepultura en recuperar su estado de gracia compositivo. Un proceso muy lento desde la marcha del cerebro de la banda Max Cavalera en 1996, y que sorprendentemente no se vio ralentizado por la fuga del otro pilar de la banda, Igor Cavalera en 2006.

Los brasileños han ido reptando después de la explosión de creatividad que supuso "Roots" en 1996 (en el que mezclaron el thrash y el groove metal con la música folclórica brasileña) y la inmediata marcha de Max. Dejados de la mano de dios, arrancaron sus segundos primeros pasos con un "Against" que a pocos convenció (diría que sólo se salva una canción), para seguir con "Nation", del cual ya podíamos sacar 3 o 4 temas decentes y llegar a "Roorback", que podemos calificar, ahora sí, como disco mediocre con algunos puntos brillantes ("Apes of God" y "Mind War" son auténticos temazos pero encontramos mucho relleno a lo largo de álbum).

10 años después nos topamos con el primer disco que realmente es destacable, se trata de "Dante XXI", disco conceptual sobre La Divina Comedia, que sienta las bases de la música de la banda desde entonces. Por fin habían dado con la fórmula correcta. Ahora faltaba pulirla.

En 2009 nos sorprenden con otro álbum conceptual, esta vez sobre La Naranja Mecánica, bajo el título de "A-Lex". Un disco con mucho tema de transición, así que es difícil de juzgar, pero cuando dan caña con temas más directos muestran su verdadera potencia. En estos momentos encontramos algo más duro que "Dante XXI", quizá demasiado.

Y por fin, en 2011, un servidor declara abiertamente que cree que por fin han llegado a pulir esa fórmula que ya se contorneaba sugerente en "Dante XXI". "Kairos" es el álbum que define a los nuevos Sepultura, un álbum maestral plagado de riffs potentes y rabia concentrada sin llegar a ser rayante (como pasaba en ocasiones con A-Lex). La voz de Derrick Green por fin es aprovechada de la forma correcta (clara demostración en "Born Strong"), con un característico tono a caballo entre el grito iracundo sin llegar al growl. Los riffs suenan afilados como nunca en "Just One Fix", "Mask", "Spectrum", y en general en todo el álbum.

Señores, creo que nos encontramos ante uno de los mejores discos del año. Y hay que aprender a ser objetivo de una vez, por eso digo esto: si este "Kairos" hubiese salido justo después de "Chaos AD" todo el mundo lo adoraría. Pero como ya no tenemos a los hermanos Cavalera ese espíritu conservador que rechaza todo lo nuevo nos lleva a creer que este disco no vale la pena. Grave error, grave error... Sepultura pueden volver a ser muy grandes, porque con este disco han demostrado que tienen mucho más material que ofrecer.

Cierto, los grandes clásicos nunca se repetirán, pero hay que aprender a apreciar esta nueva forma que ha tomado la música de Sepultura. Una forma que no será como la de los 90, pero una forma increíble al fin y al cabo. Así que, oh cruel destino, ¿porqué haces que un disco que podría haber sido una joya de la banda en los 90 sea publicado con la nueva formación haciéndolo menos atractivo? A lo mejor el propio sino nos reta a saber apreciar una gran obra para ver si podemos superar nuestro afán conservador. Hasta aquí mi consejo de hoy, podéis escucharlo o podéis decir que esto son sandeces. Pero no deja de ser la opinión de un fan más, y las bandas se alimentan del calor de sus fans... ¿no?

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Triana: el gigante amordazado

Amigos, hoy vengo a hablaros de Triana. Si los conocéis ya os podréis imaginar cómo va a ir el artículo, y si no los conocéis todavía debéis al menos, terminar de leerlo.

Banda de rock progresivo fundada en 1974 en Sevilla cimentada sobre unas sólidas bases: la gran voz de Jesús de la Rosa Luque sin olvidarnos también de su gran aporte al teclado y sintetizadores, Eduardo Rodríguez Roadway a la guitarra (tanto española como eléctrica, tocando gloriosamente en los dos estilos de ambas) y la batería y percusión de Juan José Palacios, la música de Triana se basó en, probablemente, la más innovadora de las mezclas de por entonces. Cogiendo el rock progresivo más primario y crudo de King Crimson y Pink Floyd, los sevillanos le añadieron la vertiente nacional fusionándolo con el más apasionado flamenco: de ahí el anterior comentario de las dos guitarras de Eduardo Rodríguez. Sin duda, Eduardo era un gran guitarrista que nunca ha recibido el reconocimiento merecido (como la banda en sí, pero a esto llegaremos más tarde). Conseguir tocar con tal maestría dos estilos tan distintos con guitarra española y eléctrica con el estilo, toque y clichés más típicos del tanto del flamenco en una como del rock en otra, es todo un mérito que no está al alcance de cualquiera.

Si tenemos que hablar de su discografía, es una auténtica joya. Quizá debamos recurrir al refranero español para describirla con la mayor precisión, porque eso de que "más vale poco bueno que mucho y malo" se ajusta perfectamente a la trayectoria de publicaciones de la banda.

Los tres primeros discos de Triana son unas auténticas joyas. Obras maestras del progresivo fusión, sin un sólo tema de relleno, todos absolutamente increíbles, todos clásicos. Esta época comprende entre 1974 y 1979, y sin dudarlo ni un momento, se trata del zenit compositivo de Jesús de la Rosa (siempre con la ayuda para escribir algunos temas de sus dos compañeros, pero mayoritariamente escritos por él).

• 1974: El Patio
• 1977: Hijos del Agobio
• 1979: Sombra y Luz

Desde el inicio con la más que mítica "Abre la puerta", "El Patio", primer disco de la banda, enamora al más pintado. "En el lago" emociona y "Luminosa mañana" no te puede dejar indiferente, mientras que "Sé de un lugar" contiene el pasaje más psicodélico y extraño del disco, marca de la casa. 

Este álbum se puede caracterizar por una fuerte presencia de teclados , cosa que en los siguientes discos se mantendría pero sin la misma potencia. Este primer disco es un ejemplo perfecto de la música de Triana: destacan los grandes vendavales musicales, dando la sensación al oyente de que va a ser absorbido de un momento a otro, una gran potencia musical sin precisar de distorsión y geniales solos de teclado creando un ambiente místico muy difícil de convocar.

"Hijos del Agobio" sigue perfilando la música de los sevillanos dos años más tarde. Esta vez nos encontramos antes un disco más fuerte y duro (con duro no me refiero a heavy, que conste), dejando un poco de lado la fluidez mágica del anterior. Esta vez encontramos más presencia de guitarras distorsionadas y solos de esta, relegando a la guitarra española a un segundo plano en algunos temas, sin perder su presencia fundamental. Toman el primer plano las españolas en "Sr. Troncoso", la eléctrica en "Necesito" y un punto medio lo encontramos en "Ya está bien". También tenemos un solo de percusión en "Recuerdos de triana", los tempos bajos en el tema-título, que está lleno de una intensa meloncalía y tristeza, y una novedad como son algunos tempos medios más rápidos de lo normal en Triana los ubicamos en "Rumor".

Por último destacar "Del crepúsculo lento nacerá el rocío", cuyo inicio acústico podría estar perfectamente en los discos "Orchid" o "Morningrise" de Opeth.

Sin duda alguna, "Hijos del Agobio" es, en mi opinión, el mejor disco de Triana por su gran equilibrio, fuerza y balanza.

Por último tenemos "Sombra y Luz", donde encontramos, por ejemplo, la primera canción sin guitarra española, la magnífica "Una historia" que se convierte rápidamente en un gran pozo de pesar y tristeza que sólo ellos saben recrear, así como en uno de los temas imprescindibles de la banda. Los tempos más rápidos que empezaron a surgir en el disco anterior se recrean más en "Quiero contarte", y no dejamos el momento más jazz, psicodélico y experimental en el tema título. Volvemos a un tema más flamenco para recuperar los primeros tiempos de la banda en "Tiempo sin saber" y cerramos el disco con "Vuelta a la sombra y luz", un gran tema con solos de guitarra y bajo, ambos por Eduardo, así como con la vertiente progresiva dominando la dirección. Para acabar decir que si bien "El Patio" lo podríamos calificar de místico y fluido y "Hijos del agobio" como duro y triste, "Sombra y Luz" es el álbum de la banda donde más se notan las fortísimas influencias progresivas.

A partir de aquí, la música de Triana se tornó, sorprendentemente y sin motivo aparente, bastante más comercial. Sus tres últimos álbumes siguieron este camino y, como podéis imaginar, no tienen el carácter de "disco imprescindible" que otorgo sin pensarlo dos veces a los 3 anteriores. Creo que cogiendo los mejores temas de cada disco no se llegaría a la absoluta genialidad de sus predecesores, pero aún así quedaría un buen álbum. Está claro, las baladas "Una noche de amor desesperada" y "Tu frialdad" son auténticos temazos indiscutibles de la banda, pero no podemos decir lo mismo de sus respectivos discos, que, insisto, no dejan de ser por lo general buenos, pero sólo tienen 3 temas legendarios que son clave. A los dos mencionados hay que añadirle "Llegó el día", tema más largo del grupo con 13 minutos (sí, para ser una banda de rock progresivo es lo normal), que desprende un gran sentimentalismo y la gran tristeza de la despedida final, como si ellos mismos hubiesen predicho que ese mismo año, el líder y alma máter del conjunto iba a fallecer en un terrible accidente de circulación.

• 1980: Un encuentro
• 1981: Un mal sueño
• 1983: Llegó el día

Por último os quería dejar con unas reflexiones que vinieron a mi mente hablando de esta banda con mi padre (sabio hombre en materia musical que me enseñó esta y muchas más bandas de pequeño cimentando la base de lo que yo posteriormente desarrollaría por mi cuenta).

¿Porqué una de las mejores bandas de la historia (al menos a mi parecer y al de mucho más) española es tan poco conocida hoy en día? ¿Porqué fuera de las fronteras españolas tiene tan pocos seguidores? o lo que más me preocupa, ¿porqué dentro de nuestro propio país hay muchísimos fans del prog que no conocen a esta leyenda? Triana vivió un mal momento históricamente hablando. Su primer álbum vio la luz en tiempos de dura opresión y restricción política, hecho que hizo que su distribución fuese nula en el resto de Europa. Los siguientes vieron la luz en tiempos de transición, y por su consecuente, de confusión, donde lo que hacía una banda que acababa de nacer parecía importarle a pocos, y posteriormente, cuando los inicios del actual sistema se comenzaban a vislumbrar, la banda había perdido en gran parte su magnífico potencial inicial y en 1983 se despidieron tristemente sin haber causado una milésima del impacto que merecen. Muchos todavía los recuerdan, y otras bandas siguen realizando tributos a los sevillanos para que la gente sepa que no se han olvidado de aquella gran banda que si hubiese podido, habría deslumbrado a los fans del rock progresivo de todo el planeta.

Pero, ¿qué pasaría si Triana hubiese nacido en nuestros tiempos?. Probablemente habrían tenido a un productor como Steven Wilson que les pusiese el ojo encima y multiplicase su reconocimiento como ha hecho con geniales bandas contemporáneas como Anathema o Orphaned Land, y ante un mercado tan abierto y de tal velocidad de expansión, puede que hubiesen alcanzado la cima. Y probablemente habrían tenido una discográfica que los habría impulsado a los oídos más exquisitos de todo el globo, algo que Fonomusic, evidentemente, no pudo ni probablemente tuvo interés en hacer.

Pero nada podemos hacer por eso ahora más que recordar sus grandes canciones y propagar la leyenda de Triana, la gran banda que jamás tuvo posibilidad de triunfar. Siempre nos quedará el gran solo final de "Abre la puerta".

Le dedico este artículo a mi padre, que le quiero mucho.Gracias por enseñarme todo lo que sabes, hoy sigues haciéndolo.

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Mejores discos 2010 (Parte 2: Puestos 10-1 + Discos en vivo)

¡Aquí sigue la lista!

#10

Arista: Orphaned Land

Álbum: The Never Ending Way of ORwarriOR

Género: Progressive Ethnic Metal

Y por fin llegó. Seis años hemos tenido que esperar los fans de Orphaned Land para poder saborear una nueva obra de la mejor banda que Israel jamás vio nacer.

“The Never...” es la perfecta ejemplificación de lo que la música de OL es: estructuras de metal progresivo mezcladas con escalas, riffs y toques de música étnica israelí e oriental, así como algunos momentáneos growls para acentuar la agresividad de algunos pasajes. La popularidad de la banda ha crecido como la espuma desde la aparición del conjunto en el documental “Global Metal” en 2008, y este disco es un regalo para todos aquellos que disfrutan con su música, ya sean nuevos adeptos o viejos fans.

“Sapari” abre la lata poniendo el listón muy alto, pero el disco cumple perfectamente con estas expectativas con temas del calibre de “Disciples of the Sacred Oath II”, con una intro muy a lo Symphony X y unos cambios de tempo geniales. Destacan también las agresivas “Barakah” y “Codeword: Uprising”, que tienen muchos toques a Opeth, y la bonita balada “Bereft in the Abyss”.

No cabe duda de que este álbum será una delicia para los amantes del prog y la música fusión.

#9

Artista: Coheed and Cambria

Álbum: Year of the Black Rainbow

Género: Progressive Rock

Coheed and Cambria se han convertido en una de las bandas de progressive que más popularidad han ganado en estos últimos años (especialmente en 2010), y un servidor piensa abiertamente que uno de los culpables directos es este magnífico álbum.

“Year of the Black Rainbow” es la sexta entrega de la saga “The Armory Wars”, la precuela de la misma, y probablemente uno de los mejores discos de la banda.

Este nuevo capítulo en la historia de CaC probablemente se caracterize por varias cosas. La primera las grandes líneas de guitarra: melodías intrincadas, harmonizaciones perfectas, riffs muy grandes (en especial el de “When Skeletons Live”) y solos francamente buenos (algunos capaces de tocar la fibra y otros completamente locos). La segunda es la gran obra al bajo de Michael Todd, que trabajo a trabajo va mejorando su técnica a pasos gigantes, y por último destacar que es probablemente el disco más épico del conjunto, con estribillos potentísimos capaz de arrancar de júbilo al más pausado, en los que se llevan la palma “In the Flame of Error” y “The Broken” (single y himno de la banda de ahora en adelante), sin olvidar el del temazo “This Shattered Symphony”. ¡Muy, muy, muy buenos!

#8

Artista: Angelus Apatrida

Álbum: Clockwork

Género: Thrash Metal

Brutal nuevo trabajo de los thrashers albaceteños. Mucho más maduro que sus discos anteriores y con dos principales diferencias respecto a ellos: muchos menos estribillos pegadizos que en “Evil Unleashed” (creo que faltan algunos más en “Clockwork”) y bastante más digerible y con más calidad que “Give ‘Em War” (que también es genial).

La última manufactura de una de las mejores bandas del panorama nacional actual te dejará sin aliento por su riqueza en riffs demoledores y solos increíbles, cosa que queda clarita tras el hit “Blast Off” (nunca un título definió también el contenido de la canción). El tema más pegadizo (y probablemente el mejor del disco) es el tema-título, que ya se ha convertido en todo un himno de la banda, seguido de cerca por auténticos trallazos como “Of Men and Tyrants”, “One Side One War” y “Legally Brainwashed”.

La calidad vocal es absolutamente suprema, aunque quizá a Guille le haría falta distanciarse un poco de ese estilo tan parecido al de Dave Mustaine. Suena genial, sí, pero creo que si buscase más su propio estilo la banda ganaría mucha personalidad.

En definitiva, absolutamente imprescindible para los amantes del thrash y uno de los mejores discos del año, segurísimo. ¡Atención, porque el cohete de esta banda está despegando internacionalmente y promete llegar muy muy alto!

#7

Artista: High on Fire

Álbum: Snakes for the Divine

Género: Stoner / Sludge Metal

Sludge metal, stoner metal, speed metal… Estoy seguro de que con sólo un género no se puede describir la música de High on Fire, como mínimo se necesitan esos tres combinados. De lo que si estoy seguro es de que “Snakes for the Divine” es una verdadera obra maestra del metal moderno, y junto a “Death is this Communion”, el mejor disco de High on Fire. Lejos de la monotonía, Matt Pike ha sabido forjar a sangre y fuego un discazo memorable.

El tema título es simplemente increíble: riff épico, estribillo agita-masas y solo perfecto, pero si lo que queremos es algo con menos florituras que este temazo de 8 minutos, tenemos canciones de riffs poderosos, directos a la yugular como “Fire, Flood and Plague”, “Frost Hammer”  y “Ghost Neck”. El trabajo al bajo de Jeff Matz es formidable, junto al gran sonido conseguido que hace que parezca que nos vaya a engullir de un momento a otro, además de un Des Kensel que se sale con un sonido y unas líneas de batería propias de una apisonadora y la voz de Matt Pike como un vórtice inmenso. Imprescindible.

#6

Artista: Rotting Christ

Álbum: AEALO

Género: Black / Folk Metal

Los griegos Rotting Christ dieron en 2010 el que probablemente sea el mejor paso de su historia, pese a estar siendo criticado por muchos seguidores antiguos de la banda.

Incorporar elementos del folclore balcano a su música le añade al Black Metal un aliciente, un grado superior de calidad musical: la mezcla de texturas, los cánticos griegos bajo una tormenta de riffs y melodías épicas... todos estos ingredientes hacen que “AEALO” no sea un disto típico de Black Metal, sino que se trata de una verdadera obra de arte, un tributo auténtico a la mestizaje de culturas.

El disco comienza con unos cánticos A Cappella, que son seguidos por una ráfaga de blastbeats old school y un verso de batalla que da la nota en el tema título. A destacar también el medio tempo “Demonon Vrosis” por su riqueza en melodías legendarias. “Noctis Era” nos brinda un tema oscuro que suena como un gran himno de los guerreros griegos marchando hacia la batalla de las Termópilas, mientras que “Fire Death and Fear” dispone de un surtido de riffs y solos asesinos. Los fans más acérrimos de los antiguos Rotting Christ serán satisfechos con la tralla de “Santa Muerte”, así como los más fans del folk balcánico satisfarán sus mejores deseos con “Orders from the Dead”, ¡pero si quieres ambas cosas, disfrutarás de lo lindo con “dub-sag-ta-ke”! Por último no puedo cerrar la crítica de este magnífico disco sin mencionar la heroica “...Pir Threontai”, ¡una auténtica joya!

#5

Artista: Joe Satriani

Álbum: Black Swans and Wormhole Wizards

Género: Virtuoso / Instrumental Rock

Parece que contra más viejo se hace nuestro querido Satriani, más extravagantes son los títulos de sus álbumes de estudio, pero parece también que contra más años lleve el maestro en los dedos, su calidad no tiende a bajar ni un solo ápice.

“BS&WW” es una obra dorada del rock instrumental, a la altura de otros discos memorables de la mosca como “Crystal Planet”, o “The Extremist”, e incluso yo diría que es el álbum donde más protagonismo tienen los demás instrumentistas. Así se demuestra con el genial riff de bajo en “Wormhole Wizards” y los omnipresentes teclados que hacen comparecencia en todos los temas dándole un toque místico y único, además de protagonizar un extendido solo en la balada “Wind in the Trees”.

Un buen groove en los riffs hace que ganes muchos puntos, y como esa estrategia Satriani se la tiene memorizada, Satch aplica lo aprendido en “God is Crying”, “Light Years Away” y “Pyrrhic Victoria”. Pero como bien sabemos, uno de los puntos fuertes del de Westbury es hacer unos “estribillos” capaces de arrancarle unas lagrimillas al más pintado. Los puntos emocionales los tenemos en la primeriza “Premonition”, “Dream Song” y la bluesera “Littleworth Lane”, esta última una belleza de pies a cabeza. No olvidemos tampoco las influencias étnicas, si bien ya nos sorprendió con el folclore español en su disco anterior con “Andalusia”, ésta vez viajamos hasta Oriente con “The Golden Room”.

¡Así pues, con éste disco el virtuoso de las gafas de sol nos confirma que le queda mucha pólvora en la recámara y mucha guerra por dar! 

#4

Arista: Black Country Communion

Álbum: Black Country Communion

Género: Blues Rock / Hard Rock

Hoy en día parece que está de moda montar supergrupos. Nuevos o viejos, triunfan Chickenfoot, Them Crooked Vultures, Transatlantic, Down… Pero la cosa está en que no siempre salen bien. Puedes tener los mejores instrumentistas del mundo y que no haya química entre ellos... pero este no es el caso de BCC. Formado por Glenn Hughes al bajo (Deep Purple, Black Sabbath), Joe Bonamassa a la guitarra, Jason Bonham a la batería (sí, el hijo de Bonzo de los Led Zeppelin) y Derek Sherinian a los teclados (Dream Theater, Alice Cooper), BCC han conseguido manufacturar un disco de hard rock y blues rock muy zeppelinesco digno de admirar. La voz de Glenn suena mejor que nunca, los solos de Joe son igual de increíbles que siempre, el Hammond de Derek le da un toque añejo y Jason parece haber heredado muchos de los dotes de su padre...

Comenzamos con el temazo directo a  la yugular que es “Black Country”, para pasar a un tema un poco más comercial titulado “One Last Soul” y pegar otro cambio brusco hacia la dramática “The Great Divide”. Los riffs característicos de Bonamassa se pueden detectar fácilmente en “No Time”, “Stand (at the Burning Tree)” y “The Revolution in Me”, aunque la mención estrella se la llevan los dos temas más largos: “Song of Yesterday” (algo así como el Stairway to Heaven de BCC) y “Too Late for the Sun”, donde los teclados de Sherinian ganan muchos enteros, sin olvidarnos de la animada “Beggarman”.

Sin duda, BCC es la mejor banda revelación de 2010, y esperamos que hagan muchos discos más. ¡De momento ya tenemos el segundo asegurado oficialmente!

#3

Artista: Black Label Society

Álbum: Order of the Black

Género: Heavy Metal

El regreso de BLS al estudio era probablemente uno de los más esperados en este 2010, el momento para que Zakk Wylde jugase sus mejores cartas... ¡ y jo, qué cartas!

A día de hoy, un servidor diría abiertamente que “Order of the Black” es casi el mejor disco de Black Label hasta la fecha, a la altura de los míticos “Mafia” y “The Blessed Hellride”. ¿Porqué? Por que sencillamente, de los 13 temas (más la versión de Blind Faith que aparece como bonus track), si tuviese que eliminar uno creo que no me aclararía. Y esto es debido a que, desde los riffs descoyuntadores de “Overlord” y “Parade of the Dead” hasta las baladas más melosas y bonitas en “January” y “Time Waits for no One”, pasando por los solos infernales de “Black Sunday” y “Chupacabra” (pequeña oda a los guitarristas hispanos según dijo Zakk) y los dobles bombos atronadores de “Godspeed Hellbound”, todas las canciones son tremendas piezas de oro. ¡Escucha obligada para cualquier fan del heavy metal de toda la vida!

#2

Artista: Blind Guardian

Álbum: At the Edge of Time

Género: Power / Speed Metal

Después del tan criticado “A Twist in the Myth” (que a mí me parece un buen disco), Blind Guardian decidieron hacer un disco de power/speed metal épico de los de la vieja escuela. Y así lo hicieron. “At the Edge of Time” es uno de los mejores trabajos que los germanos han manufacturado en su carrera, y así lo dictaminan sus temas, que tienen una amplia variedad de influencias. Los bardos más speed reminiscentes de discos como “Battalions of Fear” los encontramos en “Tanelorn (Into the Void)”, “Ride into Obsession" y el single ya archi-conocido, “A Voice in the Dark”. Las baladas místicas por las que la banda es conocida también siguen presentes en “Road of no Release”, “Curse my Name” y “War of the Thrones”, con especial mención a las últimas dos, que están llamadas a convertirse en himnos del bosque como lo hizo, por ejemplo, “Lord of the Rings” en su momento. Si queremos medios tempos gloriosos los tenemos en “Control the Divine” y “Valkyries”, y si queremos fantasía y temas legendarios tenemos a dos monstruos: “Sacred Worlds” y “Wheel of Time”, ambas de una calidad suprema. “Wheel of Time” sin embargo se lleva la palma absolutamente por sus influencias orientales y su majestuosidad, se trata de un himno power en toda regla, la supremacía convertida en un tema de casi 9 minutos de orquestaciones magnificientes que a partir de ahora no debe faltar en ningún, no en ningún concierto de la banda. 

Como podéis ver, he mencionado TODOS los temas del disco, ¿porqué? Porque sinceramente creo que este disco es una pieza vital para los fans de los bardos.

#1

Artista: Iron Maiden

Álbum: The Final Frontier

Género: Heavy / Progressive Metal

Los Iron Maiden más progresivos de la historia regresaron a los estudios en 2010, y el producto de sus geniales mentes fue publicado en agosto para delicia de sus miles de fans. “The Final Frontier” es un disco compacto, de temas largos en su mayoría y la esencia de los nuevos Iron Maiden, probablemente uno de los discos más completos que jamás hayan escrito. La estructura de los temas, las melodías, los estribillos... todo está confeccionado a la perfección para convertirse en un álbum grandioso, el mejor de la década para los británicos.

Tema a tema, el disco es una auténtica delicia. “Coming Home” es la balada perfecta, mientras que “Mother of Mercy” es de los temas que más caña meten, con un estribillo apasionante y haciendo gala de un repertorio de letras simplemente genial. Creo que esto merece un punto aparte, ya que personalmente, “The Final...” me parece el disco de Maiden que mejores letras tiene.

El single “El Dorado” también es una maravilla: una galopada como las de antes de la mano del señor Steve Harris y unos solos abrumadores. El tema-título del disco comienza con un nivel de bizarrismo importante, cuando, de repente, ese riff clásico estalla y nos pega en toda la cara con su manto de potencia, mientras que cuando se desarrolla acaba convertido en un tema de toda la vida de estribillo facilón hecho para el directo. El resto, es decir, los temas largos, son lo mejor del disco. “Isle of Avalon” con su interludio central de improvisación, “Starblind”, que es una de las piezas maestras del disco nos deleita con sus compases progresivos y solos magnificentes, “When the Wild Wind Blows” con su ráfaga de optimismo y melodías sublimes... Por último mencionar el que para mí es el mejor tema del disco, hablo de “The Talisman", que comienza con un Bruce Dickinson profético y oscuro para luego estallar es un riff lleno de potencia.

Básicamente esos son los ingredientes para crear el que, a mi parecer, es el mejor disco del año, aunque si tuviese que comentar todos los puntos que adoro de este disco, llegaría el 2012 en un momento... ¡una pieza realmente impresionante!

Mejores discos en directo

Este año he decidido crear un nuevo apartado, el de mejores discos en directo. Estos carecerán de una reseña, ya que los fans de las bandas ya conocen los temas...

#10: Down - Diary of a Mad Band

#09: Airbourne - Rockpalast

#08: Stratovarius - Polaris Live

#07: Michael Schenker Group - 30th Anniversary: Live in Tokyo

#06: Megadeth - Rust in Peace Live

#05: Joe Satriani - Live in Paris: I Just Wanna Rock

#04: Opeth - In live Concert at the Royal Albert Hall

#03: The Big 4 (Metallica, Megadeth, Slayer & Anthrax) - Live from Sofia, Bulgaria

#02: Porcupine Tree - Anesthetize

#01: Heaven & Hell - Neon Nights: 30 Years of Heaven & Hell

El año que viene más... ¡felices fiestas!

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Mejores discos 2010 (Parte 1: puestos 20-11 + extras)

Sí señores, aquí está otra vez el ránking de los mejores discos del año que acabamos de dejar... Comenzamos por los discos que no han podido entrar en la lista de los 20 mejores pero son dignos de mención:

• ¡Pendejo! - Cantos a la Vida (Stoner Metal)
• Accept - Blood of the Nations (Heavy Metal)
• Finntroll - Nifelvind (Blackened Folk Metal)
• Overkill - Ironbound (Thrash Metal)
• Avantasia - The Wicked Symphony / Angel of Babylon (Power Metal)
• Foreigner - Can't Slow Down (Hard Rock)
• The Dillinger Escape Plan - Option Paralysis (Mathcore)
• Darkthrone - Circle the Wagons (Crust Punk)
• Motörhead - The Wörld is Yours (Heavy Metal)
• Walter Trout - Common Ground (Blues Rock)

Y ahora sí... ¡comenzamos la cuenta atrás!

#20

Artista: Sodom

Álbum: In War and Pieces

Género: Thrash Metal

En estos tiempos de música electrónica siempre hay que recordar que todavía hay bandas que se dejan el culo haciendo thrash metal del de toda la vida. Es el caso de las leyendas alemanas Sodom, que presentaron su nuevo disco en noviembre, recordándonos la verdadera esencia del thrash pese a la marcha de su antiguo batería, y demostrando que 3 tíos pueden dar mucha guerra (nunca mejor dicho).

Tras una portada sublime se ocultan 11 temas duros como un bloque de granito que harán que a más de uno se le caiga la babilla. El tema título que abre el disco es de los mejores de esta década de Sodom, y también encontramos varias joyas más como “Hellfire”, “Soul Contraband”, o “Through Toxic Veins”.Probablemente “In War and Pieces” no le llegue a la suela de los zapatos a clasicazos como “Agent Orange” o “Persecution Mania”, ¡pero tiene varios temas muy buenos que en directo serán una bomba!

#19

Artista: Airbourne

Álbum: No Guts, No Glory

Género: Hard Rock

A principios de año, los australianos nos deleitaron con su nuevo álbum "No Guts, No Glory", que tan solo con su inicial "Born To Kill" ya deja encandilados a los amantes del Hard Rock.

Quizá este nuevo LP no sea tan fácilmente digerible como su predecesor "Runnin' Wild" porque este "No Guts..." incluye varios medios tiempos geniales de los que la obra prima carecía, llámense "Bottom Of The Well" o "No Way But The Hard Way", ambas fantásticas.

También contiene esos clásicos temas con voces a la carrerilla y riffs de infarto saturados de puro Rock & Roll como "Raise The Flag", "It Ain't Over Til' It's Over" o "Back On The Bottle", pero no todo lo que reluce es oro y por lo tanto, no todos los temas de este brillante disco son buenos, canciones como "Overdrive" o "White Line Fever" podrían ser fácilmente sustituidas por otras mucho mejores. 

Y no podría cerrar esta crítica sin mencionar la brillante "Blonde, Bad & Beautiful", un tema que creo que no debería faltar en ningún concierto de los australianos: tópicos y topicazos del Rock & Roll por doquier (al igual que en la mayoría de temas) y un estribillo que pone los pelos de punta. ¡Muy intenso!

#18

Artista: Slash

Álbum: Slash

Género: Hard Rock

El hombre del sombrero de copa regresó en abril sin magia ni conejo con su primer álbum en solitario bajo el brazo, que demostraba que todavía le queda mucha creatividad dentro (más que la utilizada para el nombre del disco), y se presentó a él mismo como única estrella. A su lado, muchas de las grandes estrellas de rock cantaron sus temas y fueron grabados en este maravilloso disco. Así tenemos temazos como la intrumental “Watch This” con Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) a la batería y Duff McKagan al bajo (Guns n’ Roses, Jane’s Addiction), “Promise” con el inmortal Chris Cornell de los renacidos Soundgarden, “By the Sword” con Andrew Stockdale de Wolfmother ( también posible nuevo cantante de Velvet Revolver)...

La nota la dan “Doctor Alibi” con su rock n’ roll fresco (cómo no, junto al rey Lemmy), “Ghost” muy al estilo de The Cult (quizá por eso el cantante es Ian Astbury en este tema) y “Crucify the Dead” con Ozzy. En definitiva, el que al principio parecía otro de los muchos proyectos de Slash acabó convirtiéndose en algo estupendo, pese a que de momento ignoramos si posee visión de futuro.

#17

Artista: Gamma Ray

Álbum: To the Metal!

Género: Power Metal

Los alemanes Gamma Ray volvían al ataque a finales de enero para presentarnos el nuevo trabajo que sus majestades del Power Metal habían creado. “To the Metal” no es una obra maestra, ni tampoco un disco malo, es simplemente un disco de Gamma Ray.No creo que haga falta mucho para darse cuenta: riffs contundentes, la peculiar voz de Kai, dobles bombos... lo de siempre. E igual de bueno de siempre.

“All You Need to Know” nos trae viejos recuerdos con Michael Kiske y Kai Hansen tocando juntos de nuevo, mientras que “Deadlands” con su riff asesino, “Empathy” con su intro atmosférica y el tema-título con su gran mensaje te dejaran sin aliento, aunque si lo que buscas es un temazo legendario, lo tienes en “Rise”. Puede que si lo que escuchamos sólo son estos temas, este disco nos parecerá una obra de maestra, pero pese a que estas 5 canciones sí que lo son, éstas no hacen que suenen mejor el resto. Aún así, ¡no deja de ser un gran disco!

#16

Artista: Joe Bonamassa

Álbum: Black Rock

Género: Blues Rock

Joe Bonamassa sigue su carrera imparable hacia el estrellato abriéndose hueco entre los mejores guitarristas de blues rock del mundo. Después de su consagración en el Royal Albert Hall presentando “The Ballad of John Henry”, el gran guitarrista de Utica se metió en el estudio para grabar un nuevo LP.
“Steal Your Heart Away” es el tema perfecto para abrir el disco, ya que es un pequeño gran resumen de la música de Joe (aunque el tema sea de Bobby Parker, su versión está hecha a medida): riffs zeppelianos, grandes solos y versos con su voz peculiar. Los puntos más blueseros los tenemos en “I Know a Place”, “When the Fire Hits the Sea” y la breve pero que hará que no puedas parar de mover los pies al compás de la canción “Three Times a Fool”. Las reminiscencias de Jimmy Page son todavía más claras en “Blue and Evil”, y Bonamassa cuenta con la aparición estelar de la leyenda B.B. King en la versión de Willie Nelson "Night Life". Por último remarcar la preciosa versión del “Bird on a Wire” de Leonard Cohen, y decir la única cosa que creo que le falta a este guitarrista: más temas propios. Las versiones que hace son realmente muy buenas, pero vista la grandeza de los temas propios del disco (5 de 13), creo que si se dedicase a sólo escribir temas suyos y dejase las versiones para los bonus tracks o CD’s tributo sería mucho mejor, porque potencial para escribir no le falta.

#15

Artista: Rhapsody of Fire

Álbum: The Frozen Tears of Angels / The Cold Embrace of Fear

Género: Power Metal

Los italianos Rhapsody of Fire parece que se pusieron las pilas este año pasado y nos deleitaron con dos LP’s en 2010, aunque a mi parecer se podrían considerar uno sólo. Me explico. El primero, “The Frozen...”, se trata de un disco normal de Rhapsody, pero el segundo se trata de una suite de 35 minutos dividida en varias partes, por lo tanto podría ser un tema aparte del disco (como hizo Dream Theater con su “Six Degrees of Inner Turbulence”).

Musicalmente, “The Frozen...” vuelve a las raíces más puras de la banda, recordándonos los tiempos de gloria del power metal con esos dobles bombos, voces agudas, teclados majestuosos y virtuosismo guitarrero endemoniado. Un claro ejemplo son los temazos “Sea of Fate”, “Reign of Terror”, “Raging Starfire” y “Cristal Moonlight”, aunque a decir verdad todos los temas del disco son buenos, pese a que estos resaltan de forma sobrenatural. Los estribillos épicos nos acompañan una vez más, y serán una gran baza en directo, como siempre...

“The Cold Embrace...” contiene mucho contenido orquestal y narrado, ya que, como la banda dijo, es más bien un monumento cinematográfico de la saga. Aún así, en los actos III, VI disfrutamos de ROF en su estado metalero puro, sin olvidarnos de la gran balada del acto V. Personalmente, creo que esta obra (sigo diciendo que lo cuento todo como un disco) me parece una obra excelente de la banda, de lo mejorcito que habían hecho en mucho tiempo. ¡Esperamos que sigan así!

#14

Artista: Star One

Álbum: Victims of the Modern Age

Género: Progressive Metal

Arjen Lucassen vuelve a la carga, esta vez con el segundo disco de su proyecto Star One, que nos presenta la faceta más dura y heavy del músico holandés sin dejar de lado sus influencias más progressive y operísticas de las que gozábamos en Ayreon.

Esta vez las voces del genio compositor son Russel Allen (Symphony X), Dan Swanö (Argentum), Damian Wilson (Threshold) y la bella Floor Jansen (After Forever, ReVamp), y todas hacen un trabajo más que excelente. “VOTMA” trata sobre catástrofes mundiales y la decadencia del hombre, y cada tema versa sobre una conocida película de este tema: Blade Runner, 12 Monos, La Naranja Mecánica, El Planeta De Los Simios... En lo musical sobresalen “Digital Rain”, “Cassandra Complex”, “Human See, Human Do” y la brutal “Earth That Was”. ¡Impresionante nuevo trabajo de esta mente privilegiada, esperamos más noticias de él, sobretodo un nuevo disco de Ayreon!

#13

Artista: Helloween

Álbum: 7 Sinners

Género: Heavy / Power Metal

La nueva obra de los germanos se publicó, como de costumbre el 31 de octubre (día de Halloween). Si bien su predecesor “Gambling The Devil” ya se caracterizó por ser un  disco bastante duro y heavy, “7 Sinners” no sólo sigue su estela, sino que la lleva un poco más lejos, además de darle mucha más importancia a los teclados.

La calidad del material se podría decir que es similar, con temazos muy agresivos como “Long Live the King”, “My Sacrifice” o la de estúpida pregunta pero muy buena calidad por sus grandes riffs y solos, “Are You Metal?”. Esta vez sólo tenemos una baladita power, “The Smile of the Sun”, que no arrancará pasiones como lo hicieron “Forever and One” o “A Tale that Wasn’t Right” años antes. Por otro lado no faltan las clásicas canciones con estribillos pegadizos, con sus máximos exponentes en “World of Fantasy”, “Who is Mr.Madman?” (que se une a los Mr/s. de Helloween: Ego, Torture y God) y “If a Mountain Could Talk”.

Por último cabe mencionar la grandeza del primer tema “Where the Sinners Go” con una batería tribal y un riff asesino, y recalcar que este tema caerá seguro en las visitas de los alemanes a españa este mes entrante junto a otros dos tema del disco: “Are You Metal?” y “You Stupid Mankind”, esta última muy mal elegida ya que es de las peores canciones del disco y hay otras que serían una bomba en directo.

#12 

Artista: Scorpions

Álbum: Sting in the Tail

Género: Hard Rock / Heavy Metal

Sublime retirada de los alemanes. Tras el (a mi parecer) fantástico "Humanity", que fue lo mejor que hicieron desde "Crazy World" (1990), "Sting In The Tail" es incluso mejor que éste.

Klaus no pierde la voz de ninguna manera, como demuestra en la gran "Raised On Rock" que abre el álbum. "Sting In The Tail" es un valor seguro para los shows en vivo, seguida de "Slave Me", que creo que merece un hueco que de momento no está teniendo en el setlist de la banda en vivo.

Continuamos con "The Good Die Young", la balada de turno que nos hace un 4/4 perfecto de lo que llevamos de disco, con la participación casi imperceptible de Tarja Turunen a las voces.
"No Limit" quizá no sea una de las mejores canciones del disco, pero ofrece un Hard Rock fresco que en los tiempos que hoy en día corren se agradece. "Rock Zone" si que puede ser uno de los temas clave del disco, riff veloz y voz medio a la carrerilla que hacen de esta canción un posible cañón en directo.
Espíritu de rock es lo que tienen los alemanes y "Spirit Of Rock" lo refleja claramente, aunque el tema que cierra el disco "The Best Is Yet To Come" nos da una gran despedida y seguro que sirve para echar el cierre de los futuros conciertos.

En definitiva, creo que lo mejor del disco son los primeros temas y pienso que este "Sting In The Tail" es probablemente un estandarte de la banda, junto a los mayúsculos "Blackout", "Lovedrive", "Love At First Sting" y un largo etcétera.

#11

Artista: Cathedral

Álbum: The Guessing Game

Género: Stoner Doom Metal

5 años han pasado desde aquel increíble “The Garden of Unearthly Delights”, y los reyes del stoner doom de Inglaterra volvían al ataque con su nuevo disco.

“The Guessing Game” es un disco muy orgánico, ingenioso, e incluso raro... pero sin duda un estandarte de calidad inmejorable. Si quieres caña la tienes en las levanta-masas “Casket Chasers”, “Painting in the Dark” y la tenebrosa “La Noche del Buque Maldito”, si quieres doom tienes “One Dimensional People”, “Funeral of Dreams” y “Requiem for the Voiceless”, que realmente harán que te hagas caquita en los pantalones. El lado más folk y weirdo lo tenemos en “Cats, Incense, Candles & Wine”, y el más emocinante y “bonito” a su manera en “Death of an Anarchist”, aunque eso sí, ¡el final a galope con “Journeys Through Jade” reviviendo toda la historia de la banda mediante su letra es genial! Gran faena como siempre del increíble Leo Smee al bajo, y Gary Jennings se saca unos riffs para recordar, ¡aunque gran parte de mérito se lo lleva Lee Dorrian como siempre por sus vocales para recordar!

Discazo donde los haya, ¡recomendado a todos los fans del stoner doom y a los que busquen nuevos horizontes!

Y eso es todo por hoy... ¡estad atentos, porque se avecinan los 10 primeros!

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